Las muñecas de Morton Bartlett

Morton Bartlett, Sin título, fotografía, 11.4 x 7 cm. 1940 - 1960

Fuente: http://www.artnet.com/artist/721214/morton-bartlett.html

Morton Bartlett, Sin título (bailarina) y (Bailarina detalle). Fotografía 8.9 x 10.2 cm. Fuente: http://www.artnet.com/artist/721214/morton-bartlett.html

Morton Bartlett
Untitled (Girl Crying)
1960
vintage gelatin silver print
Fuente: http://www.artnet.com/Magazine/features/saltz/saltz6-28-00.asp

Morton Bartlett
Untitled (Standing Nude)
1960
vintage gelatin silver print
Fuente: http://www.artnet.com/Magazine/features/saltz/saltz6-28-00.asp

Morton Bartlett
Untitled (Girl with Dog)
ca. 1960
vintage gelatin silver print
Fuente: http://www.artnet.com/Magazine/features/saltz/saltz6-28-00.asp

Morton Bartlett

Untitled (Girl Crying)
1960
vintage gelatin silver print
Fuente: http://www.artnet.com/Magazine/features/saltz/saltz6-28-00.asp

Morton Bartlett (Boston, 1903-1992) comenzó a construir sus muñecas niña (y también algún niño) en1936, fecha de publicación del libro The Doll de Hans Bellmer. Sobreviven 15 de ellas, que fueron descubiertas en un sótano después de su muerte junto a dibujos, trajes y cerca de 200 fotografías.

Construir cada una de estas pequeñas personas (de aproximadamente la mitad del tamaño real de un niño) primero en arcilla y luego en yeso le llevaba cerca de un año. Buscaba un nivel máximo de realismo, con lo que cada detalle era tratado con minuciosidad y un correcto sentido de la anatomía. A continuación las pintaba, les colocaba una peluca, las vestía con trajes especialmente confeccionados para ellas y las fotografiaba en distintas situaciones: regañando a un perrito, durmiendo en la cama, llorando, tocándose el pelo... y en ocasiones en actitudes con connotaciones eróticas.

Barlett quedó huérfano a los 8 años y se sugiere que su interés por recrear la infancia está relacionado con este hecho. Aunque no sabemos casi nada de su vida, sabemos que estudió dos años en Harvard y, algunos testimonios encontrados tras su muerte, manifiestan plena consciencia del ejercicio de sublimación que era su actividad artística.

Mi afición es esculpir en yeso. Su objetivo es el de de todas las aficiones: soltar los impulsos que no encuentran expresión por otros canales.

El crítico de arte Jerry Saltz señala su similitud respecto al trabajo de otros artistas como Henry Darger, Hans Bellmer, Degas, Robert Gober, Charles Ray, Jake & Dinos Chapman, Sally Mann, Jock Sturges, Simmons y Cindy Sherman.

Moton en 1932. Fuente: http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=8246190632857004265&postID=1320421478138944517

Alexander Lobanov

Sordomudo tras padecer una meningitis a los 6 años, Alexander Lobanov (Maloga, Rusia,1924, 2003) tuvo una vida dura debido a su discapacidad y a una serie de sucesos que acaecieron a su familia (sufrieron una evacuación y el temprano fallecimiento del padre de Alexander). El hijo fue enviado en 1947 a una institución psiquiátrica y desde entonces pasó confinado el resto de sus días.

En el Hospital de Afonino donde vivió desde 1950 empezó a dibujar reproduciendo todas las imágenes que encontraba. Pocos años después superó su fase de mimetismo y desarrolló su propio imaginario donde él mismo es el motivo constante de representación. Sus autorretratos le muestran mirándonos con gesto impasible, casi siempre escudado en su Kalasnikov que agarra con ambas manos, ataviado con sombrero y ropas militares. Suele aparecer rodeado, bien de armas, bien de elementos de la naturaleza: anémonas, margaritas y patos salvajes.

Marcos dibujados encuadran las obras, a veces con motivos decorativos típicamente rusos. Suele incluir su nombre en grandes letras dibujadas con esmero, a veces también añade su apodo “Sacha”

avión-helicóptero-pescado

Punch Mbhele (Bergville, 1969) es un joven sudafricano que desde muy pequeño fabricaba sus propios juguetes con material de desecho. La más espectacular de sus creaciones actuales es su propia casa avión-helicóptero-pescado que construyó a partir de postes de telégrafo que recubrió con chapa de camiones.

Forevertron

Forevertron es obra de Tom O. Every (Wisconsin, 1939) que en 1983 dejó el negocio familiar (una empresa de recuperación de material industrial) a su hijo para dedicarse a la construcción de este entorno compuesto por piezas desechadas de maquinaria. Su construcción está destinada a favorecer los viajes espaciales. Para ello cuenta con una cápsula-huevo en la cúspide dispuesta a ser lanzada al espacio en cualquier momento. Un telescopio construido con tubos y ruedas ayudaría a seguir el viaje espacial desde la tierra.

Todas las imágenes son de: http://www.neatorama.com/2007/09/11/
forevertron-worlds-largest-scrap-metal-sculpture-by-dr-evermor/ a excepción de la última que procede del libro Fantasy Worlds, editorial Taschen.

Consuelo "Chelo" González Amézcua

Fuente: http://www.artnet.com/Artists/LotDetailPage.aspx?
lot_id=7B9F03873D9C9D193077BF3E150CA693

Secrets of Belleza

ink on matboard
9x7"
Fuente: http://www.webbartgallery.com/artist/chelo/chelo.html

Serpentina. ink on posterboard 28x22 "

Fuente: http://www.webbartgallery.com/artist/chelo/chelo.html

Chelo Amezcua
Gardens of Jalapa
1966
Fuente: www.artnet.com

Chelo Amezcua
Creative Hands
ca. 1970
Fuente: www.artnet.com

Chelo Amezcua
Abundance the Blind
1966
ink on matboard
23.5 x 27 inches
Fuente: www.artnet.com

Chelo gonzález Amézcua (Del Río, 1903-1975) es descrita por sus sobrinas como una persona alegre, optimista y vital. Parece que no sólo dibujaba sino que también disfrutaba de la poesía, la música y la escritura. El fallecimiento de su padre hizo que no pudiera estudiar arte, pero no dejó nunca de realizar lo que ella misma llamaba Texas filigree art. El suyo es uno de los casos que escapan a la norma de la mayoría de los autores que comienzan a expresarse después de algún trauma, enfermedad o ausencia. Las obras de Chelo muestran una vez más horror vacui, un interés por los motivos vegetales y por los autorretratos. Entre sus motivos favoritos encontramos estrellas y espirales, que le sirven para articular las composiciones.

Hawkins Bolden

Sin título (nd) técnica mixta, 45 x 22 x 7""

Fuente: http://www.artnet.com/Magazine/news/drury/drury2-2-6.asp

Fuente: http://www.webbartgallery.com/artist/bolden/bolden.html

Fuente: http://www.outsiderfolkart.com/outsiderart/a-d/hawkins-bolden.html

Fuente: http://www.outsiderfolkart.com/outsiderart/a-d/hawkins-bolden.html

Hawkins Bolden (1914-2005) es un artista outsider afroamericano de Memphis. Se quedó ciego a la edad de ocho años y se sirvió de su sentido del tacto para mantener una intensa actitud creativa durante toda su vida. Una de sus pasiones era la jardinería, le encantaba ver crecer las plantas bajo sus cuidados. Creaba extraños centinelas y máscaras a partir de objetos encontrados para proteger su jardín de los pájaros. Lo cierto es que por su extraño aspecto parecen figuras que ocultan una función "mágica" pero Hawkins nunca se refirió a ellas de otra manera que como espantapájaros. También le apasionaba hacer radios con prácticamente cualquier material.

Sin título (nd) técnica mixta, 45 x 22 x 7""
Fuente: http://www.webbartgallery.com/artist/bolden/bolden.html

Bill Traylor

Bill Traylor era un artista autodidacta nacido esclavo en Alabama. No sabía leer ni escribir y empezó a dibujar en 1939, a la edad de 83 años.

Sus composiciones son sencillas y rotundas, a menudo una figura monocromática que se desmarca del fondo. Poseen una gran fuerza mágica, quizás porque recuerdan a sombras chinescas o a los animales dibujados por los primeros hombres en las cavernas.

Bill Traylor solía colgar sus dibujos en una valla cercana a su casa para entretener a los locales. Así conoció al joven pintor Charles Shannon, quien le ofreció materiales para seguir pintando y algo de ayuda financiera.

Alejandro Santiago

Alejandro Santiago no es un artista outsider. Sin embargo sus 2501 migrantes de barro recuerdan en su aspecto y factura a las figuras de Nek Chand. El artista Oaxaqueño quiso con esta obra incitar a la reflexión en torno al tema de la migración masiva de mejicanos a EEUU. Sus esculturas están realizadas en barro y también son llamadas "monos de lodo"

Arte outsider y mandalas

Adolf Wölfli Catholic Spirit-Central, Roma (1905).

Fuente: http://www.gseart.com/exhibitions.asp?ExhID=475

Emanuel Navratil Fantastic City in the City (1940)

Lápices de colore ssobre papel de emabalar montado en madera. 38 x 44 pulgadas.
Galería St. Etienne

Fuente: http://www.artnet.com/Magazine/reviews/karlins/karlins1-24-9.asp

Minnie Evans. Diseño realizado en los Airlie Gardens Óleo y técnica mixta sobre lienzo. (1967)

Minnie Evans Sin título 1945 – 1967

Fuente: http://www.artnet.com/Magazine/reviews/karlins/karlins1-24-9.asp

Muchos estudiosos del Art Brut han observado la frecuencia con que aparecen en las obras de estos autores composiciones que recuerdan a mandalas.

Desde Adolf Wölfli hasta Emmanuel Navratil, Minie Evans y tantos otros.

Realizar un mandala es de alguna manera ordenar el caos circundante. Trabajando una geometría basada en el centro de poder. De este modo se puede sugerir que los autores que utilizan el símbolo del mandala, al situarse en el centro de la estructura, están trabajando la relación de su sí-mismo con el cosmos.

El mandala sirve como propósito conservador especialmente para restablecer un orden existente con anterioridad. Pero también al propósito creador de dar expresión y forma a algo que aún no existe, algo que es nuevo y único. El segundo aspecto es quizá, aún más importante que el primero, pero no lo contradice. Porque, en la mayoría de los casos, lo que restablece el antiguo orden, simultáneamente implica cierto elemento de creación nueva. En el nuevo orden, los modelos más antiguos vuelven a un nivel superiror. El proceso es el de la espiral ascendente que va hacia arriba mientras vuelve una y otra vez al mismo punto.

M.-L. Von Franz. Carl G. Jung. El hombre y sus símbolos (p. 225)

Si te interesan los mandalas, te recomiendo este completo post en el blog Mis mejores zapatos.

Paramasukha Chakrasamvara Yab Yum Mandala

Tibetan Thangka Painting (21.0" X 28.0")

Fuente: http://www.exoticindiaart.com/product/TM93/

Art Brut japonés

Eijiro Miyama, Noviembre 2006
Fuente: http://www.rawvision.com/articles/63/miyama/miyama.html

Eijiro Miyama, Noviembre 2006
Yokohama. Fotografía: Lucienne Peiry.
Fuente: Ésta y el resto de imágenes proceden de: http://www.artbrut.ch

Los responsables de la colección de Art Brut de Lausana han realizado una investigación en Japón para encontrar artistas autodidactas de este país.

Entre los días 22 de febrero y 28 de septiembre se exponen en Lausana las obras de doce autores de varias ciudades japonesas:

Shinichi Sawada – Satoshi Nishikawa – Mitsuteru Ishino – Hidenori Motooka – Masao Obata – Yuji Tsuji – Takashi Shuji – Takanori Herai – Yoshimitsu Tomizuka – Eijiro Miyama – Toshiaki Yoshikawa – Moriya Kishaba.

Masao Obata, sin título, sin fecha, lápices sobre cartón, 60.1 x 54.7 cm,
Colección de l’Art Brut, Lausana. Fotografía : Onishi Nobuo.

Masao Obata (1943) comenzó coleccionando cajas que encontraba en la cocina del hospital psiquiátrico en que estaba internado. Con la pareja como tema principal y el rojo como color favorito cubría sus soportes improvisados durante noches enteras de secreta actividad creativa. En la actualidad, trabaja desde su cama con todos sus dibujos desperdigados en torno.

Shinichi Sawada, Sin título, 2007, arcilla, 53.6 x 26.5 x
26 cm, Colección de l’Art Brut, Lausana. Fotografía : Onishi Nobuo.

Shinichi Sawada (1982) es un joven con autismo que crea esculturas representando misteriosas criaturas de su mitología personal.

Eijiro Miyama en Lausana
Fuente: http://www.japoneitor.com/wp-content/uploads/2008/02/eijiro-miyama.jpg

Eijiro Miyama (1934) vive en una diminuta habitación de un hostal para indigentes cerca de Tokio. Gusta de crearse atuendos estrambóticos a partir de materiales reciclados.

Takashi Shuji (nacido en 1974), Grue, sin fecha, pastel sobre cartón, 54 x 37.6 cm.
Colección de l’Art Brut, Lausana. Fotografía : Onishi Nobuo.